Back to the Future : récidive

8 septembre 2005 :

Le titre Fireman qui a commencé leur concert de juillet dernier sur la place de la République à Paris et qui constitue également l'ouverture de Sequel to the Prequel ne peut laisser aucun doute : les Babyshambles sont de retour avec la furie et la foi.

Ce qui fait plaisir, c'est de voir que quelques mois après la fin des Libertines et après divers séjours en prison, Pete Doherty a réussi à faire les bons choix : proposer une énergie punk, mais sans sacrifier pour autant la production en proposant quelque-chose qui ne ferait pas vraiment justice au titre solo de Pete, comme la production de Mick Jones, parfaite pour la fougue des Libertines mais qui aurait pu nous laisser circonspects. On n'ose pas pour autant imaginer une production trop fine, qui en voulant trop complexifier le son perdrait les chansons pour donner un résultat trop linéaire et vraisemblablement ennuyeux.

Ainsi, l'énergie explose sur Fireman, précédemment cité, sur Maybelline ou encore Picture me in a Hospital, mais le passage à des morceaux plus calmes comme New Pair ou Penguins se fait assez bien.

D'autre part le groupe parvient aussi à aller chercher des influences autre part, plusieurs titres, Dr. No en tête de file vont piocher allégrement du côté du reggae, mais l'ensemble reste cohérent, car le groupe le fait à sa façon, là où on aurait pu s'attendre au pire connaissant un peu Pete : pourquoi pas tiens un ex-codétenu en featuring ?

Et puis il y a Cuckoo, morceau brillant qui parvient à faire un patchwork des différents éléments qui constituent l'album, et qui nous convainc si besoin était encore.

Cet album annonce donc un bel avenir à Pete Doherty et aux Babyshambles.

8 septembre 2013

Le titre Fuck Forever, qui a mis fin à la vingtaine de minutes du  concert de juillet dernier sur la place de la République à Paris ne peut laisser aucun doute : les Babyshambles n'ont plus grand chose à dire, et d'ailleurs ils nous emmerdent.

Ce qui fait plaisir, c'est de voir qu'on n'avait pas totalement raison en affirmant ça ce soir là.

 On ne va pas non plus se voiler la face : ce Sequel to the Prequel est très loin d'être à la hauteur de ce que l'on pourrait attendre du troisième albm d'un groupe dont le leader a presque 15 ans de carrière derrière lui.

Après, ce disque a le mérite de ne pas tomber dans les travers de ses prédécesseurs : on échappe à la production finie au pétard de Mick Jones sur Down in Albion, ou à la repentance fade de Shotter's Nation.

L'album est diversifié et plus direct, mais très franchement, pas grand chose de marquant à part la perle Cuckoo, le seul titre des Bumfest Demos de 2006 qui n'avait pas encore été porté sur album : une ballade lunaire mais lucide, qui prend des envolées toniques, le temps d'un interlude plein de guitares saccadées et de "oh yeah".

Et c'est à ça qu'il va falloir s'habituer avec Pete Doherty, Babyshambles, et même avec un hypothétique retour des Libertines : des albums mi-figue, mi-raisin avec un titre un peu au-dessus du lot de temps à autre.

Si j'ai envoyé cet album à mon alter-égo de 2005, c'était pour que quelqu'un puisse s'ébahir un peu dessus, parce qu'en tant que premier album, ce disque aurait annoncé de bonnes choses, en tant que troisième, il nous indique le standard auquel on pourra s'attendre dans les années à venir, et ça casse pas 3 pattes à un canard ...

Tralala

Animal Collective tralala jamais deux sans trois etc. (mon intro la plus courte à ce jour)

Pour un certain nombre de fans leurs concerts sont meilleurs en ce moment qu'ils ne l'ont jamais été, après coup, difficile de leur donner tort : le groupe ne se cantonne pas à rejouer la set-liste de la veille, ne se sent pas obligé de ressortir du Merriweather Post Pavilion aux moments les plus inopportuns et inaugure sur scène un certain nombre de titres oubliés jusque-là.

C'est le cas de I Think I Can qui ouvre le concert, l'EP Fall Be Kind n'avait pas été tourné et c'est fort dommage tant la chanson apparaît évidente pour lancer un set de la meilleure des façons, puis une transition maitrisée, qui ne s'étend pas inutilement comme ce fut le cas lors des premiers concerts post-Centipede Hz. mais nous distille petit à petit des éléments indiquant Did You See The Words? à venir. Toutes les transitions du concert seront à la hauteur.

Un Father Time très faible (là encore à la hauteur, puisque c'est le titre le plus faible de Centipede Hz.) marque la fin d'une première partie doucement introductive.

Doucement parce que la première explosion de violence ne se fait pas attendre avec un enchaînement Honeycomb/Moonjock, pleins d'une certaine agressivité qui transpire sur Wide Eyed et Pulleys, ce dernier titre est comme d'habitude, beaucoup plus allongé que sur album, et c'est après s'être étendu sur un long instrumental que sa reprise fait passer encore au degré de violence supérieur, un degré comme on n'en a encore jamais rencontré dans un concert du groupe.

Groupe que l'on a par ailleurs rarement vu aussi déchaîné : Panda Bear, totalement emporté derrière ses fûts n'assure plus qu'une partie des chœurs et Deakin décroche sa basse (autre nouveauté du concert) pour un What Would I Want? Sky complétement réinventé qui nous permet de nous extasier pleinement de la capacité de renouvellement qu'a ce groupe.

C'était la seconde fois que je voyais cette chanson jouée en concert, la première c'était pendant la tournée Merriweather Post Pavilion, avant son enregistrement en studio. Le groupe ne comptait alors que 3 membres, chacun postés derrière des machines de manière à ne pas se voir, la piste était longue et vaporeuse. Ici le même morceau devient groovesque et entraînant, je crois n'avoir jamais entendu deux versions aussi différentes d'une même chanson par le même groupe, la seule similitude étant la projection d'image sur des structures gonflables.

Cette agressivité extrêmement positive est ensuite utilisée à merveille pour un Peacebone qui nous laissera béats et au cours duquel Avey Tare viendra occuper l'espace central de la scène, en passant tout de même plus de temps tourné vers le reste du groupe que vers nous, mais le bris d'habitudes est louable.

Après un gâteau d'anniversaire, l'introduction du rappel, par ses accords légèrement croches ne peut nous annoncer que Today's Supernatural, là encore, engagement supernaturel du groupe. Et puis Brother Sport. Ils jouent ce titre depuis environ cinq ans mais semblent prendre toujours autant de plaisir à le tordre, jouer avec ses longueurs, et avec ses transitions toujours. Ce morceau est à la fois un cri de ralliement et un laboratoire.

Et tout rallié que j'étais, il ne manquait qu'une chose pour me combler : ma première chanson du groupe, dont la présence sur les set-listes récentes avait été ma raison numéro un de me rendre à ce concert : The Purple Bottle, dans sa version "interdite sur album" car empruntant quelques lignes à I Just Called To Say I Love You de Stevie Wonder.

La version live n'est que perfection, dont chaque reprise nous fait bondir plus haut, et là encore le travail est impressionnant : tout en gardant ce son agressif propre à la tournée et qui apporte un énorme dynamisme, des notes de clavier très soul parviennent à ressortir, et puis au cas où la qualité du concert fourni ne nous aurait pas convaincus, Avey Tare nous épargne l'euphémisme de la version studio pour nous dire, non pas qu'il nous apprécie mais qu'il nous aime, avant de nous laisser les jambes tremblotantes d'avoir vécu un final aussi débordant de bravoure.

En conclusion, bien que ça ne soit pas particulièrement grâce aux chansons de Centipede Hz., temps les plus faibles du concert, le groupe livre en ce moment des lives parmi les plus aboutis qu'il m'ait été donné, aussi bien d'entendre en bootleg que de voir en direct.

Qui est partant pour une métaphore ?

Il arrive que, avec ou sans raisons, on s'imagine qu'on ne verra jamais un groupe en concert. C'était mon cas, de manière relativement cohérente concernant Pulp, ça l'était aussi concernant les Sparks, jusqu'à ce que j'apprenne leur date assez unique à Paris hier soir. Je ne crois pas t'avoir dit à quel point j'aimais les Sparks, réponse en 10 bonnes raisons :

1) Il sont étincelants ! (ça c'est pour me débarrasser de la blague d'entrée)

2) Ils montrent qu'on peut être frères et avoir un groupe qui dure, prenez ça Oasis, les Black Crowes, Tokio Hotel et les Hanson !

3) Ils ont su traverser toutes les époques, et même les années 80, toujours avec un temps d'avance et une ironie mordante : images :

4) Ils ont inventé le disco. Mais malheureusement tout ce qui s'est fait n'a pas été à la hauteur de N°1 Song In Heaven

5) Ron Mael a bien failli redonner ses lettres de noblesse à la moustache hitlerienne, et ils ont même écrit une chanson dessus :

6) Ils sont polyglottes, Russell s'exprime dans un français tout ce qu'il y a de plus correct et on entend fréquemment plusieurs langues sur leurs chansons, toujours pour le bon goût, comme sur Upstairs

7) Ils font des chansons extrêmement classes sur des gens connus : That's Not Nastassia, Excerpts from The Seduction of Ingmar Bergman, et puis Lighten Up Morrissey

8) Leurs chansons sur des inconnus se défendent aussi très bien d'ailleurs

9) Ils ont réalisé avec Propaganda le meilleur album-opener de tous les temps

10) On leur doit le meilleur moment de l télévision française (merci Guy Lux)

Et donc j'ai vu les Sparks vendredi, après une attente assez longue et inédite pour moi (là où tout le monde indique sur le billet une heure à la fois 30 minutes après l'ouverture des portes et une demi-heure avant le concert, la Maroquinerie te feinte en indiquant 30 minutes avant l'ouverture) dans une file d'attente pleine de profils différents : tous les âges et styles sont représentés. Avant même d'entrer, l'aspect trans-générationnel du groupe apparaît.

En découvrant la Maroquinerie, la première chose à laquelle on est confronté c'est la boutique où l'on entend presque ce genre de conversation (un bon point pour qui a la référence) : "Wah, 30€ le T-shirt, même les plus chers que j'ai vus ils étaient qu'à 25" "Et là, le Picture Disc à 40€ ! Imagine que quelqu'un en veuille vraiment".

Enfin bref, l'installation du groupe est celle de la tournée Two Hands, One Mouth" qu'on a pu entendre sur l'album live sorti récemment.
Et c'est peut-être ce qui est un peu dommage : toute la set-liste, à l’exception d'un Angst In My Pants, génialement méconnaissable est extraite du disque, et rejouée à l'identique, au commentaire entre les titres près.
Ceci dit, la virtuosité, que ça soit au clavier ou au chant convainc, et quand bien même, l'essentiel est ailleurs, c'est l'occasion de profiter du jeu de scène impressionnant de Ron Mael, qui joue au méchant depuis tellement longtemps que son sourire à la fin du concert laisse toujours un semblant de doute sur les possibles mauvaises intentions derrière ses regards noirs fixes. Sans qu'elle saute aux yeux d'entrée, on se rend bien compte que l'alchimie entre les deux frères est maximale : pour reprendre leurs bons mots : ils sont réellement deux mains et une bouche.

Et même si on s'y attend, on vibre sur The Rhythm Thief, on rit sur The Wedding of Jacqueline Kennedy to Russell Mael, on sautille sur Suburban Homeboy et on pleure sur When do I get to sing "My Way"?.

Et puis vient le rappel : ils nous annoncent un invité spécial, pas de grosse surprise étant donné qu'elle a été aperçue dans la salle : il s'agit de Catherine Ringer pour Singing in the Shower. Malheureusement on l'entend à peine, peut-être un micro réglé trop bas (Russell a demandé plusieurs fois à ce qu'on augmente le sien), peut-être une voix affaiblie par l'émotion (on croit apercevoir des larmes perler au coin de ses yeux).
La suite du rappel donne l'occasion au groupe qu'on peut avoir été précurseur et savoir rester dans la course : N°1 Song in Heaven et Beat the Clock sont gonflées aux hormones électroniques qui nous vaudront même des pas de danse de la part de Ron avant un Two Hands, One Mouth attendu mais parfait, puis un discours plein de franchise de Ron qui finit de nous convaincre que le groupe est véritable et à part.

Délicieux décibels désuets

Il me semble que j'avais un jour écrit ici que j'en avais fini avec tous les disques qui laissaient trop de place à l'excès de décibels. J'avais même du faire un serment, c'était peut-être pour 2013, ou alors 2012 ou 1997, je ne sais plus vraiment.

Mais une fois de plus, heureusement que je ne me suis pas écouté, car j'aurais alors coupé X'ed de Tera Melos après quelques minutes d'écoute, sans me douter que derrière ces poussées sonores intempestives pouvaient se cacher finesse et intelligence.

Une fois de plus toujours, j'en rajoute il est vrai un petit peu, avant les explosions et le final en larsens, Weird Circles commence comme du math-rock, et bien que j'aurais aussi pu lâcher au début de New Chlorine, j'étais en réalité déjà accroché.

Oui, en réalité cet album emporte, à la manière de curieux cercles justement, on subit une certaine hypnose erratique sous l'effet de l'association de cette nappe répétitive et d'inserts gorgés de bravoure. Si bien que si le fond, par sa régularité nous rappelle souvent son existence, on a clairement l'impression d'écouter un disque sans aucune ligne de conduite, alors que, d'un bout à l'autre, la direction est maitrisée.

À ce jeu là, Sunburn est un exemple parfait : le travail, tant sur les changements de rythmes que d'intensité, est remarquable.

Cet album développe une énorme puissance pour te tirer dans un sens et te pousser dans l'autre en même temps. Clairement, un disque comme ça, on l'écoute.

Et tu peux commencer par Melody 9, qui fait lui aussi tous les trucs dont je t'ai parlé, mais en pire, live oblige.

Un disque qui dit "allez tous vous faire foutre"

Pour peu que tu me lises depuis un certain temps, je pense que je ne t'apprendrais rien en te disant que les Strokes sont un de mes sujets de prédilection.

Rien d'étonnant donc, à ce qu'avec la sortie de Comedown Machine je revienne à la charge.

Cet album est de loin le plus intéressant du groupe, puisque c'est le premier à faire réellement débat. Si les 3 premiers avaient plus ou moins fait l'unanimité, pas toujours pour les bonnes raisons, une sorte de consensus mou s'était dégagé autour d'Angles. Ici il n'en est rien : il va peut-être enfin y avoir de la vraie bagarre !

Comme pour Angles, la comparaison avec les 3 premiers disques n'a aucun sens, mais là où le disque se différencie de son prédécesseur, c'est que si ce dernier semblait accidentel, Comedown Machine est totalement assumé.

On est en 2013, 12 ans après 2001 (j'ai fait des études scientifiques), et les Strokes nous disent enfin : "Nous ne sommes plus le groupe du retour du rock, et peut-être qu'on ne l'a jamais été. Alors écoutez ce disque, ou ne l'écoutez pas, mais foutez-nous la paix !", à des kilomètres de l’exaspérant : "On est désolés, on ne sait plus trop qui on est."  d'Angles.

Si il fallait utiliser un seul mot pour résumer cet album, ce serait donc assumé. On peut ne pas apprécier l'évolution vocale de Julian ou encore son goût de plus en plus prononcé pour les claviers dégueulasses, mais au moins, on sent que le groupe n'essaye pas de nous faire croire que non, rien n'a changé comme sur Undercover of Darkness. Cette fois-ci, le premier extrait ne laissait aucun doute : aucune brigade du bon goût n'allait les dicter pour les empêcher de (exemple pris totalement au hasard) prendre une sonnerie de Nokia et en faire une ligne de clavier. Le pire c'est qu'aussi atroce a pu paraître One Way Trigger quand il est apparu, il s'avère qu'une fois placé dans le contexte de l'album, il devient presque appréciable. Dans un sens c'est peut-être le premier album des Strokes qui soit autant un album : pris individuellement, la majorité des titres passerait plutôt mal alors que l'album en entier est suffisamment cohérent pour se laisser écouter sans problèmes, et ce, sans rien sacrifier sur l'autel de la diversité. Et ça, on peut ne plus aimer le groupe, il est difficile d'affirmer que de ce point de vue là l'album n'est pas réussi.

Comme à chaque fois avec les Strokes, on ne tient ni l'album de l'année, encore moins celui de la décennie (oui, parce qu'à un moment il va falloir arrêter de sur-évaluer Is This It ? pour dévaluer tout ce que le groupe a fait après), mais il serait de mauvaise foi de parler de raté sur toute la ligne : un disque qui dit aussi remarquablement "allez tous vous faire foutre" est tout sauf raté.

You'll never be 19 again

Dans ma dernière revue de concert, ce que j'évoquais, outre le fait que je n'aimais définitivement pas l'évolution de la carrière d'Eugene McGuinness, c'était aussi que parfois, on se dit qu'on ne voit pas forcément les concerts au bon moment : on aurait sûrement plus apprécié de voir tel groupe au moment de son premier album, ou encore on aime mieux les versions retravaillée de certaines chansons, qu'on n'a malheureusement pu voir qu'en vidéo.

Une solution efficace pour s'épargner ces éventuels regrets, c'est d'aller voir Pete Doherty. Ce que j'ai fait ce samedi, après quelques hésitations, c'est finalement le "OK, son album solo ne t'a absolument pas convaincu, mais pense au toi d'il y a 5 ans qui avait planifié un aller-retour Nantes-Paris pour aller le voir, mais qui avait été déçu de l'annulation. Et puis entre nous, hier soir tu as failli te faire renverser par une voiture, et casser la gueule 2 fois, c'est peut-être pas plus mal si tu t'éloignes un peu de Montpellier aujourd'hui" (oui, j'ai en général des pensées simples et claires).

Comme j'aime bien parler salles, je vais commencer avec Paloma, puisque pour le coup c'était la chose la plus récente de la soirée. Sa disposition est un peu surprenante puisqu'elle paraît plus large que longue. Le son était relativement moyen, je ne sais pas si c'était du à un travail passable des ingé son ou à du matériel de piètre qualité (on pouvait entendre les amplis siffler entre les chansons), cela dit l'ambiance est chaleureuse, et donne envie de rester pour un peu plus longtemps que le concert puisqu'on peut manger et le bar extérieur séparé de la salle n'est pas sans rappeler le concept du "bar du bas" du toujours regretté Olympic.

Une fois n'est pas coutume je passerais en vitesse sur l’embarrassante première partie : The Circles. Pas très originaux, pas assez concis dans leurs compositions et pas du tout à l'aise.

L'installation scène de Pete Doherty est impressionnante : un micro, une guitare, deux amplis ... deux bouteilles de vin rouge et quatre canettes de bière.
Premier fait marquant. Il ne fait pas vraiment ses 33 ans, il a encore la même tête qu'au début des années 2000, et les mêmes chansons aussi, puisqu'il commence avec What A Waster, en fait, le concert est plutôt bien adapté pour quiconque n'a pas trop suivi l'actualité du bonhomme depuis disons ... 5 ou 6 ans, il faut attendre le sixième titre du set pour entendre une chanson écrite il y a moins de 10 ans, qui sera d'ailleurs le seul nouveau titre qu'on entendra, le second plus récent étant A Fool There Was (qui remonte tout de même à 2007).
Apport notable à noter toutefois, la violoniste à l'air prépubère dont le jeu apporte beaucoup, autant sur les titres ou il est évident (Music When The Lights Go Out) que sur ceux où on l'attend beaucoup moins (Fuck Forever). Deux danseuses interviennent aussi sur For Lovers et Last of the English Roses, qui permet de voir que le public du gars a changé, puisqu'il réagit plus sur ce morceau qu'à Time for Heroes ou Can't Stand Me Now.

Au final malgré les 2-3 problèmes de son évoqués, on passe un bon moment, mais il est tout de même extrêmement dommage qu'il n'y ait presque aucune volonté de nous présenter du nouveau, surtout venant d'un type dont des concerts ou des sessions truffés d'inédits apparaissaient encore régulièrement sur la toile il n'y a pas si longtemps. Là, on a l'impression de voir un artiste retraité, qui ne s'aventure pas à jouer autre chose que ses anciens succès : bien triste pour quelqu'un qui aura 34 ans dans 2 jours.

Un truc pompeux, mais pas de guignol

Écouter Soap & Skin, c'est un peu comme être amoureux de quelqu'un qui te fait du mal. Sans que tu puisses expliquer pourquoi, tu retournes toujours prendre des claques.

J'ai fait de ses albums mes préférés pour les lendemains de cuite : ils font tellement de mal sur le moment, qu'on en arrive à se sentir lucide, et même plutôt bien.

Elle donne de ses nouvelles dernièrement avec un Sugarbread, EP 3 titres à la pochette floue.

Encore une fois on en prend plein la tronche d'entrée, avec une introduction qui n'est que noirceur et cris, qui se mélangent à une boîte à rythme et à des chœurs macabres, c'est on ne peut plus prenant. Tellement prenant que Anja Plaschg n'a pas besoin de poser sa voix en réverbération plus que quelques instants, se contentant juste de nous prouver par suggestion que le morceau est bien son œuvre. Simple et brillant.

On reste dans les ambiances sombres sur les 2 autres titres, avec toutefois plus de voix, dont on apprécie toujours la puissance, mais surtout la capacité à s'adapter à des arrières plans musicaux extrêmement divers : aussi bien orchestraux que synthétiques.

Il faut un certain talent pour réussir ce mélange entre électronique agressive et classicisme pompeux, il en faut d'autant plus pour rester cohérent par dessus celui-ci ; il ne s'agit pas seulement réussir la mayonnaise, encore faut-il la marier avec un plat de qualité.

Une fois de plus, la musique de Soap & Skin donne à goûter une puissance rarement vue sur ses latitudes depuis la disparition de l'empire austro-hongrois.

Back to the old house

Cher Eugene,

Bien que tu ne m'aies pas répondu la dernière fois, je suis quand même venu à ta rencontre lors de ton passage à Nantes la semaine dernière.

Je vais commencer par te faire une confidence : quand je vais à un concert, que ça soit sur la route, en attendant que ça commence, ou même pendant, si jamais le concert est mauvais, je prépare quelques accroches et 2-3 blagues pour l'article que je compte écrire (et que tu remarqueras toi aussi, je n'écris pas souvent puisque je n'ai toujours pas rattrapé mes quelques revues en retard).

Là en l'occurrence, je pensais déjà dire que tout était mieux avant : que si ton concert avait eu lieu à l'Olympic il y a 4 ans, tout aurait été tellement mieux.

Mais au fond j’espérais avoir tort (ça aussi je prévoyais de l'écrire vendredi soir oui), j'espérais que malgré ma mauvaise première expérience avec Stereolux et mon désamour profond pour ton album, j'allais pouvoir apprécier ton concert quand même.

Et à dire vrai, ce coup-ci la salle ne m'a pas déplu, à savoir si c'était dû à la présence limitée de viande alcoolisée dans la salle (et donc la limitation des risques de se faire vomir dessus) ou à la taille plus raisonnable de la salle Micro, je n’émettrais pas de conclusion, mais sur le coup Eugene, malgré tout tes efforts, j'ai trouvé ça bien que ta musique soit moins fédératrice que celles des groupes qui passent au festival des Inrocks.

J'ai aimé la salle peut-être parce que quand je suis arrivé c'était les Rhum for Pauline qui y jouaient. Tu sais, je les connais depuis à peu près aussi longtemps que toi (à environ un an près, mais tu sais, à nos âges, un an, ce n'est musicalement pas grand chose), à l'époque où je les avais découverts, ils étaient 2 et faisaient la première partie des Music Is Not Fun, relativement inconnus aussi à l'époque. Toujours est-il qu'eux aussi ont évolué vers un son plus dense, mais sans y perdre leurs forces, et le public ne s'y trompe pas et était presque plus enthousiaste que pendant ton concert (et je ne pense pas que c'était seulement parce qu'ils sont de la maison), mais je m'étendrais plus sur ces détails après.

Et puis tu es arrivé, tu nous as fait 2-3 signes désinvoltes en évitant de te décoiffer (tu n'as peut-être pas tort, vu que dernièrement la presse parle au moins autant de tes cheveux que de ta musique) et tu as commencé avec une chanson de ton dernier album, suffisamment dénuée de saveur pour que j'oublie de laquelle il s'agissait, tu as du continuer pendant plusieurs chansons comme ça, puisque la première qui m'a vraiment marquée c'est Fonz, sur laquelle l'ajout des claviers était suffisamment légère et juste pour ne pas gâcher l'écoute. Tu confirmais ainsi le sentiment que j'avais eu en entendant Harlequinade avant : quand tu arrives à en réfréner les vomissements synthétiques, même tes nouveaux titres deviennent appréciables.

La suite du concert a été une suite de goût/dégoût, puisque tu mêles dans ta set-liste de nouveaux titres comme All and all pas désagréables, des vieilleries bienvenues comme Those old black and white movies were true, mais tu arrives quand même à balancer des Video Game et Joshua aussi dégoulinants que sur album.

Dis-toi quand même que j'ai regretté de ne pas avoir assez écouté The Invitation to the Voyage : j'entreprenais de compter les chansons que tu en avais jouées, pour savoir combien, au maximum, il me restait à en supporter, et ma méconnaissance m'a frappé, si bien qu'après un Sugarplum qui ne s'avère même pas faire lever les foules, je me suis pris à espérer un Atlas, un Moscow State Circus ou n'importe quoi d'autre en rappel, mais pas ce plat et créativement vide Shotgun (ou cet hommage, c'est comme ça qu'il faut dire a priori), et là, n'en pouvant plus, j'ai fait un truc que je ne fais pourtant jamais : je suis parti, parce que j'en avais marre, parce que j'avais envie d'éviter la file d'attente pour récupérer l'euro de consigne de mon verre et aller pisser, et surtout parce que j'en étais rendu à me sentir exactement dans l'état morbide que Nick Hornby décrit dans Juliet, Naked :

"Mediocre loud music penned you in to yourself, made you pace up and down your own mind until you were pretty sure you could see how you might end up going out of it."

Et puis quand je suis sorti des chiottes, tu avais fini, et les gens ne réclamaient rien, ce qui m'amène à un point important : 

Je ne sais pas si c'est seulement le public nantais, parfois assez froid il est vrai, ce qui expliquerait que tu aies "oublié" de remercier Nantes sur ta page facebook (ouais, parce que j'imagine qu'on a du te dire qu'aujourd'hui pour avoir du succès il fallait bétonner les réseaux sociaux), mais l'apathie du public, et plus particulièrement vis-à-vis des titres de ton dernier disque est consternante quand on voit que ceux-ci sont pourtant conçus pour faire bouger les foules, au détriment de tout ce qui faisait la force de tes chansons. Et pourtant quand tu t'arrêtes pour entendre le public, un silence te répond, et même la ritournelle Sugarplum n'est pas reprise par plus de 15 personnes.

Enfin, même si elle est restée de marbre, la salle était quasi-pleine, c'est au moins ça de gagné, mais peut-être que ce relatif succès commercial est suffisant à tes yeux après tout.

Adieux définitifs sauf si tu changes d'avis quant à ta marche à suivre du coup.

Un ancien fan, toujours anonyme mais désormais sur de lui

Sans désir

C'est extrêmement cliché mais ainsi est la pop. Moi je l'aime quand elle fait voyager, je l'ai déjà dit ici et là.

J'attire plus particulièrement ton attention sur l'article qui traite de Shipbuilding Company : j'avançais le côté dénué d'influences de sa musique, mais lui trouve beaucoup de similitudes avec Exorcise, le premier album des islandais de Tilbury, sorti en mai dernier. Après à savoir si les bougres ont écouté Radio & Flying Birds ou si la particularité des terres islandaises permet de retrouver cette absence d'influence, je ne me prononcerais pas.

Ecouter Tilbury c'est voyager la tête dans la Lune : pour aller plus loin sans forcément décoller les pieds du sol. C'est découvrir naïvement une ville en s'y promenant au hasard, mais toujours le nez en l'air.

On ressent dans leur musique une candeur des plus rafraichissantes, elle n'est pourtant pas creuse pour autant.

En fait elle est un peu à l'image du clip de Drama : on ne comprend pas trop ce qui se passe, alors autant s'en réjouir. Un peu comme les quelques moments où l'ivresse d'après quelques verres est purement joyeuse.

Dans ce genre d'articles, la transition est facile : il suffit de partir encore plus loin.

Ça tombe plutôt bien, Shugo Tokumaru vient de sortir In Focus, un album fort appréciable.

Je ne vais pas me la jouer, je ne m'étais encore jamais intéressé à un album du type et je n'ai aucune connaissance en ce qui concerne la culture japonaise. Pourtant, je vais quand même réussir à lier sa musique à celle du seul autre artiste japonais qui me vient à l'esprit : Katsuhiko Mueda ou World's End Girlfriend. Pas grand chose à voir à première vue, si ce n'est la capacité à créer des compositions fascinantes par un assemblage de motifs relativement simples. Ce sont tout deux des orfèvres capable de te faire les plus magnifiques des bijoux en utilisant uniquement des perles en plastique.

Là encore, cet aspect apparaît à la fois dans la chanson et la vidéo de Katachi : concrètement, on voit uniquement des bouts de papier découpés, mais c'est leur association qui émerveille.

If your heart is broken

Aujourd'hui je suis venu écrire mon premier article de 2013, pas pour dire que je m'en vais comme le font certains en ce moment, il est vrai que l'idée m'a parfois plus qu'effleuré ces derniers temps, tant la blogosphère est devenue moribonde et suscite peu d'intérêt (c'est en ce moment que je m'investis le plus dans mes articles mais mon nombre de visites n'a jamais été aussi bas).

Non, en 2013 je resterais, probablement avec encore moins d'articles, vu que je suis actuellement sur le point de terminer mes études et m’apprête à entrer dans ce qu'on appelle la vie active, je t'avouerais qu'il y a plus rassurant et que, même si sans un minimum d'inconfort je suis incapable d'écrire des articles, je n'ai aucune idée ce qu'il en adviendra dans le monde du travail.

L'autre raison c'est que plus le temps passe, et plus j'ai davantage envie de vivre la musique que d'en parler. Désormais, je joue plus facilement une chanson que j'écris un article dessus, du coup je cherche à voir si j'arriverais à parler d'autre chose.

Enfin, assez parlé de moi, ce qui me sort aujourd'hui de mon mutisme, c'est l'album de Christopher Owens.

J'avais parlé de Girls dans des lignes autres que celles-ci et j'étais déjà frappé par la simplicité de l'expression musicale du personnage, ses textes sont à la fois immédiats et développés et sa musique transmet à elle seule le sentiment des chansons (et j'ose espérer que si je me sens concerné par ce qu'il dit, ce n'est pas seulement parce que je rentre dans la catégorie osseux aux cheveux sales de Honey Bunny).

Cet album solo qui débarque après son abasourdissant départ du groupe qu'il avait lui-même fondé était l'un de mes disques les plus attendus de ce début d'année. Le thème et Here We Go m'avaient déjà mis l'eau à la bouche. Cette simplicité apparente touchait une fois de plus.

Car ce thème, c'est juste quelques accords simples, le genre de chose que l'on devrait trouver rapidement irritant après quelques répétitions, et pourtant, chacune de ses nombreuses apparitions tout au long des chansons est enthousiasmante. L'album pourrait se passer d'un fil conducteur, mais le thème en remplit quand même le rôle, comme ça à première vue, le seul album relativement récent que je vois utiliser ce genre de procédés, c'est Speakerboxxx de Outkast, rien à voir donc, non, si cette utilisation du thème m'amène à une référence, elle est ancienne et cinématographique, c'est le leaning on the everlasting arms de Harry Powell/Robert Mitchum dans The Night of the Hunter qui nous maintient à lui seul dans le film, car ne plus l'entendre c'est perdre le personnage central et le sens même du film. J'avais trouvé cet aspect parfaitement bien retranscrit par Pierre Fablet et son groupe, The Night of the Hunter Project, vus en première partie de A Silver Mt. Zion il y a quelques années, qui réinterprétait instrumentalement ce film, là encore ce sont les retours réguliers des leanings qui étaient les moments les plus forts. Christopher Owens parvient à reproduire cet effet sans se baser sur rien, admirable.

Derrière cette répétition de quelques notes, le disque est à cent lieues de se répéter, sur seulement 28 minutes il me donne l'impression d'un Sandinista! de poche, ça fait plusieurs fois que je te parle de cet album, mais c'est parce qu'il constitue pour moi l'un des plus aboutis artistiquement du siècle dernier, à un point tel que je l'aimais avant de l'avoir entendu, rien qu'en entendant parler du concept, mais je ne vais pas m'étendre sur mon amour pour les Clash, j'ai déjà commencé un article sur le sujet (et d'une certaine manière sur pourquoi j'aime la musique) après avoir lu celui-ci.

On pourrait tenter de résumer ce disque à un quart de Sandinista! polarisé par Riviera Rock, instrumental assez anodin aux premières écoutes, mais dont la position centrale prend tout son sens par la suite, il apporte un désordre sans lequel la seconde partie, instrumentalement moins chargée ne se tiendrait pas, l'alternance de richesse et de sobriété instrumentale donne une fluidité à l'album qui était la seule chose qui manquait à Sandinista!. Love Is In The Hear Of The Listener et Everywhere You Knew s'appuient sur le titre Lysandre tout en lui permettant d'exister. Et c'est cette fluidité encore qui permet à l'album de se terminer sur un définitif et déprimant "that part of me is gone" sans couper l'envie de le réécouter.

Pour faire court, on est le 6 Janvier et, même si au final je ne fais jamais de listes, j'ai déjà un disque dans mon top de fin d'année.